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Nuestros tutoriales @ProducerSp0t

Ultimamente, estuvimos escribiendo algunos tutoriales para los chicos de producerspot.com. Estamos trabajando en algunos otros, y habrá más tutoriales, entonces, este es un link para que puedas leer todos nuestros tutoriales: link. Te recomendamos agregar el link a tus favoritos, ya que todavía faltan muchos tutoriales más!!

Tutorial: Midi Por WiFi

Hoy les traemos un tutorial de lo más interesante, sobre todo para aquellos que usan apps que soportan CoreMidi en sus iPhones, iPods Touchs y iPads.

Se trata de transmitir MIDI desde un Mac (desconozco si en windows esto es posible, si alguien quiere aportar, bienvenidos los comentarios) a una app CoreMidi en iOS 5, y poder controlarla desde un secuenciador o un controlador MIDI.

1-Lo primero q debemos hacer, es tener el Mac y el iPad/iPhone/iPod Touch conectados en la misma red; si estamos en un lugar donde no hay WiFi, podemos crear una red en el Mac y conectar el iPad/iPhone/iPod a esa misma red. Esto, se hace en AirPort -> Crear una red o Create network si tenemos el sistema en inglés.

2- Una vez que tenemos ambos aparatos en la misma red, abrimos la app que queremos controlar.

3- Luego, en el Mac, vamos a Aplicaciones->Utilidades->AudioMidi Setup.

4- Una vez ahí, tenemos que abrir MIDI Studio, como se ve en la imagen a continuación.

5- Una vez abierto MIDI Studio, nos mostrará todas las conexiones MIDI que tenemos en el Mac; como vemos en la imagen, además de sintes, controladores, secuenciadores y cualquier otro aparato MIDI, también aparece el ítem Network: ahí es dónde haremos doble click para pasar al próximo paso

6- Una nueva ventana se abrirá, y acá, es donde hay que prestar más atención.
Lo primero a hacer en esta ventana, es en My Sessions, crear una nueva sesión dándole click al botón de + inmediatamente debajo del recuadro. El nombre Bonjour, a la derecha, debe ser el nombre de nuestra Mac (por defecto, esto, se hace automáticamente, pero, por las dudas…)
En el recuadro Directory, deberá aparecer nuestro iPad/iPhone/iPod y debajo del recuadro, un botón para conectar. Ahí es dónde damos click y ya estamos! Ah, es importante, que en el menu desplegable de más abajo, le demos permiso o bien a cualquiera (Anyone) o a las computadoras de la red (computers on my network).

*Nota: Si le damos conectar y no tenemos ninguna app CoreMidi abierta, esto, no va a funcionar.

7- Por último, sin cerrar la aplicación AudioMidi Setup, abriremos nuestra DAW y ya podemos controlar nuestros iSintes desde el Mac.

En algunas DAWs como Live, podemos poner en sincro el tempo.

Pruébenlo en casa y diviértanse!!

Los beneficios del ruido

Cómo podría el ruido (por definición, un sonido no deseado) ser algo que deliberadamente se incluye en la cadena de audio de la mayoría de los sintetizadores o ser un arma crucial para casi cualquier diseñador de sonido?
Bueno, en este post, voy a mostrar algunas cosas bien interesantes que se pueden lograr con el uso del ruido.

Antes que nada… a qué llamamos exactamente ruido?
básicamente es una señal aleatoria con contenido inarmónico. Qué quiere decir? quiere decir que al contrario de una nota musical, el ruido, no tiene una fundamental ni armónicos.
De hecho, el ruido blanco (que lleva su nombre por la luz blanca) tiene la misma cantidad de energía en un ancho de banda determinado.

Dejando de lado la física, acá dejo algunas cosas interesantes que se pueden hacer con ruido:

1. Sintetizar una explosión: La forma más sencilla de diseñar el sonido de una explosión es acercarse lo más posible a una explosión con un grabador portatil, un micrófono y un par de auriculares… sintetizarlo. Para eso, el ruido, será nuestra fuente de sonido, luego, precisaremos pasarlo por un filtro pasa bajos y aplicar envolventes y algún tipo de distorsión (con un sinte con entrada de audio y feedback está pronto). Los resultados son excelentes y experimentar con diferentes parámetros, dará distintos tipos de explosiones. Nuestra colección Explosions + more fue diseñada usando ruido.

2. Sintetizar tambores, shakers y hi hats Como los tambores, los shakers y los hi hats, tienen mucho contenido inarmónico, la mejor manera de sintetizarlos, es usando ruido como fuente. Para cualquiera de los 3, necesitamos filtros, pasa altos y pasa bajos. El punto de corte dependerá del instrumento, especialmente en el pasa altos; en el shaker, el uso del filtro pasa altos es mucho más extensivo que en el tambor. También será necesario el uso de generadores de envolventes para darle forma al sonido. Cualquier generador de envolvente de tres etapas (attack, decay/release y sustain) funcionará bien. En nuestra colección de presets Piggy Ni Massive presets collection se incluyen shakers, hi hats y tambores diseñados usando esta técnica.

3. Engordar tambores: Como se mencionó antes, los tambores acústicos poseen mucho contenido inarmónico y una buena manera de engrosarlos es, con ruido. Imaginemos un track de tambor acústico que queremos engrosar, todo lo que necesitamos es agregar un track de ruido y procesarlo con un gate que tenga la capacidad de side-chain. Se encadenará el gate con el tambor, para que cada golpe del mismo, abra la compuerta del gate y el ruido se dispare junto con el tambor. Esto es también posible y muy interesante para situaciones en vivo usando ableton live o cualquier otra DAW.

4. Sintetizar efectos de viento y costa: El ruido es una excelente fuente para este tipo de diseño de sonido. Aplicarle un filtro pasa bajo resonante a un oscilador de ruido, es todo lo que se necesita. Para sonidos de viento, se necesita algo de resonancia para la sibilancia, y controlar manualmente o con un LFO el punto de corte del filtro. Para el sonido de costa, no se precisa resonancia, pero, las variaciones del punto de corte del filtro, deben ser más lentas. Nuestra colección SCI-FI & Drones sound effect collection incluye un sonido de viento, diseñado con esta misma técnica.

 

*HPF= High pass filter
**EG= Envelope generator
***LPF= Low pass filter

Técnicas de grabación estéreo

Casi todos tenemos dos oídos, derecho e izquierdo. Entre los oídos, la mayoría tenemos la cabeza… Bueno, en realidad, si estás leyendo y no tenés una cabeza entre tus oídos, seguramente, estés en problemas… entonces, por qué escribo esto? qué tiene que ver con las técnicas de grabación estéreo? Todo.

Cuando realizamos una grabación estéreo, de alguna manera, estamos usando micrófonos para imitar cómo se comportan nuestros oídos, con nuestra cabeza, exactamente en el medio. Por lo tanto, poner dos micros, uno al lado del otro, apuntando hacia la fuente, no es una técnica estero, pero, ponerlos con sus cápsulas enfrentadas en ángulo de 90 grados, sí es y se llama X/Y.

En la foto, se pueden ver dos micros cardioides de diafrágma pequeño colocados en X/Y de modo tal que el el micro de la derecha capta lo que está en el medio y a la izquierda de la imagen estéreo, y el micro izquierdo, captura la porción del centro y de la derecha de la imágen estéreo. Esta técnica tiene un gran pro y una pequeña contra: Pro: no existen problemas de fase al reproducir en mono!. Contra: la imagen estéreo, no es tan amplia como con otras técnicas.

Por otro lado, tenemos la técnica A/B que nos proporciona una imagen estéreo más amplia que el X/Y.

Como vemos en la imagen, dos micros cardioides apuntan al frente con una separación de entre 50 y 60 cms entre sí.

Esta técnica tiene un pro muy obvio que es una imagen estéreo amplia, mucho más que X/Y, pero, por otro lado, puede resultar en problemas de fase al reproducir en mono.

 

La técnica más antigua es M/S, creada por Alan Blumlein

Como se ve, tenemos dos micros, uno en cima del otro. Uno de los micros, debe ser cardioide u omnidireccional y debe apuntar directamente a la fuente, mientras que el otro, debe ser un micrófono bi-direccional o figura de 8, el dual, debe captar los lados, posteriormente, se precisa duplicar el track del micro bi-directional (S) e invertir su fase (-S) (como se explica en la figura más abajo), y eso, es todo! Imagen estéreo en tres tracks. El cardioide/Omni (M) nos da el medio y el bidireccional (S y -S), los lados. Existen también plugins que decodifican el M/S, que básicamente, hacen el trabajo antes descrito.

Otra técnica es ORTF (Office de Radiodiffusion Télévision Française). Y es bastante similar a la técnica A/B.

Como vemos, también requiere de dos micros cardioides, pero, en un ángulo de 110 grados y con una separación de 17 cms entre sí. Esta técnica, prácticamente, no presenta problemas de fase al reproducir en mono y nos da una imagen estéreo bastante amplia.

Alan Blumlein no solo inventó la técnica M/S, sino también la técnica par Blumlein, que consiste, como vemos en la imagen, de dosmicros bidireccionales ubicados en un ángulo de 90 grados entre sí. Es como X/Y, pero, con micrófonos bi-direccionales, lo cuál da como resultado la imagen estéreo y ambiente. Por lo general, no da mayores problemas con la fase y es excelente para capturar ambiente en grabaciónes de guitarras, pianos o baterías.

A continuación, nuestra comparación. Utilizamos una pequeña pieza de piano grabada con todas estas técnicas a la misma distancia (1,5 metros de la fuente) No se aplicó ningún proceso ni efectos.